Qantu
From the center of the earth, a deep meditation projects movements over the sea. The oceanic current is, in a way, the translation of the force of the center of our planet. The powerful movements make the sand tremble, and the water runs, mobilizing everything within. Silent displacements, small and enormous at the same time, occur with this vital force, bringing floral offerings to the coast. Debris of coral, shells and other sand-washed elements are scattered along the shore, giving touches of shine and color to the coast.
Like eyes that read history, the sea reflects dreams, paintings, abstract and colorful images that mutate as time goes by. Poets, painters, musicians interpret the readings, those shadows drawn on the water and sand. The observation of natural phenomena is something that starts from an essential place in the realization of many works of art. The subtle interpretation of these movements, from the center of the earth to its manifestation in colors, textures, and vibrations, is the motive of “Qantu”, the new Fabrics of Colours collection, created by Florencia Peña. It is a reflection on the importance of the simple that is anchored in a process that has been revealing itself for several seasons.
In 2020, during the long quarantine, the basic readings of the works of art mutated, and so did the ways of interpreting them. New conversations and questions, between despair and existentialism, arose as the productions transformed and changed skin. In this introspection process, a hinge for many artists, is where Pablo Insurralde and Florencia Peña make a match. Their dialogues became more thoughtful and sharper, with unanswered questions and new demands on the material.
Florencia Peña’s “Qantu” collection asks questions about the body. About its freedom and its movement, and how to help break out from aesthetic molds that imprison it. About its comfort and care, and how textures help to highlight and address that love of what is our own. On the sacredness of the body, and how to honor it with a chromatic weave and pattern.
The Qantu, Peru’s national flower, and sacred in the Inca culture, is preferred by the hummingbirds, a bird that springs adaptability, healing, and happiness. Florencia Peña captures the flower’s abilities and takes it to its raw material: silk.
The oceanic palette, retouched by the sun when it shines in orange and pink, reflects over the silk. The adaptability and the healing quality are taken over by the artist, who, like the hummingbird in the Quechua legend, absorbs them and dresses the body, free in its weave, palette, and texture.
Florencia Peña carefully works on each of the fabrics. Each piece undergoes a series of hand-made processes, is dyed with diverse types of pigments, and goes through water infinite times.
Like a painting, the artist hangs them and studies them, to create textures that reveal the depths of the ocean, the corals, and the abstract universes that the sea returns us when we watch it reflecting the sky. This is a slow, artisanal process, where each yard of fabric is hand-painted, analyzed, contemplated, and crystallized over the weave of laborious threads of silk. This textile, one of the oldest and most sophisticated in the world, is protective in almost all climate contexts, partner in everyday use, offering a refuge to the body.
The starting point of Fabrics of Colours is white, from an empty canvas, to arrive to a composition of colorful garments, which embrace and adapt, let themselves be and enhance. Its lines provide freedom of movement and cover the body, with their layers of textures that wrap, reveal, and unveil their charm, while protecting it.
A similar position towards the essential and the nobility of the material, and an introspective reality in the story, summon Insurralde in various of his works produced since 2018. On one hand, several elements clash in his work: the reason for the cumulation, the detailed description of trash and the daily elements and the glazed ceramic, shiny and delicate, like the skin under the sun. On the other hand, the inventory of the ordinary is accompanied by quotes of milestones of the history of art. A bamboo chair together with a Botticelli; or a furtive encounter between a white grand piano and a car tire with a plant inside. The alloy between the delicate material, the history of art and elements of daily life is the distinctive note of this artist. The selection of objects of each composition is classified with a combination of irreverence and admiration, constructing a miscellaneous still life. The artist negotiates with his thoughts, in which great paintings of the history of art coexist with daily life. His work enhances the small universes of the “porteño” suburbs by making them eternal in ceramic in the company of small luxuries, reproductions of works of art or ceramic glitter.
Both artists have a precious treatment over the material, an absolute dedication to finishings, which, in all cases, makes the piece literally shine. These are materials with sophisticated processes, which translate into the silk pearling or the ceramic glaze’s own shine. Their beauty is obvious, the eye gets lost discovering Insurralde’s scenes, while the garments of Fabrics of Colours appear magnetic. Though far from the obvious, that beauty slowly flourishes under the gaze of the observer. The small sculptures conjugate the artist’s daily life with his own ceramic production; works he admires, from a Stella or the Venus by Willendorf incorporated into a landscape together with a kettle or describing with the same enthusiasm a reproduction of Botticelli’s Birth of Venus and a half-filled plastic swimming-pool. It is the back room of his daily thoughts what the artist shows in these series, and it is that enunciation what Florencia Peña proposes by designing “Qantu”. Living in the artwork, wrapping oneself in paints, where the artists’ craft adheres to life. Placing a Botticelli alongside a bathroom sink or wearing a painting to go out to dinner, or practice a sport, do nothing but enhance everyday life, the daily record. These are works brought to the immediate, read in the key of the ordinary, the beauty of the simple.
The images that make the photomontage definitively confirm the chemistry between the creative processes of the artists. The rebelliousness of conceiving works of art that combine crafts, which play with the mundane are the strongest confluence in the collaboration Peña - Insurralde. These scenes are raised with the drive of taking a painting to an everyday garment and transforming a Botticelli into a clothes rack.
A girl wearing shorts from the “Qantu” collection calmly brushing her teeth over a ceramic sink with the Willendorf’s Venus as companion. The scene appears quite natural, even though everything is off scale and out of reality, and at the same time, nothing is missing nor excessive, and the magical realism of the scene becomes completely logical. Our protagonist, like the fairy tale Thumbelina, hangs her robe on the Botticelli, and as if her life were exactly that every day, brushes her teeth, looking at a point in the void, like a person who has just woken up. Her story continues to develop, with the clumsiness of someone beautifully ordinary, in search of tableware to prepare breakfast. It is that inexperience of life that distinguishes our character, someone who moves innocently, making small steps like a fairy dressed in silk and making her breakfast. While doing so, she faces an event that swings between funny and tragic, and stumbles along with the collapse of the tableware. There remains the scene, she volatile and delicate, with her careful palette that accompanies her in her sweet making and the ceramic suspended in middle of an accident.
Both in the stories sketched in the collaboration of both works, as well as in the pieces of Peña and Insurralde, we find diaphonies that work as an emblem of their production. They both work with precious means whose production may result in an object as beautiful as unique. However, they conceive pieces that, besides beautiful and unique, concentrate refined reflections, which enhance the ordinary and give an account for the moment of transformation that the artists, but also the world, are going through. It is no longer a question of saving for the best time, of indulging when the occasion calls for it or reproducing singular objects. The ordinary is beautiful, it is special, and it is at arm’s length. The shine of a drop of water, a subtle joke, the everyday awakening; in short, the multiplicity of feelings we receive for being alive. These series of works, and subsequently their collaborations, account for the transformations we are going through as humanity, of the disembodied movement that we are experiencing and how this led us to understand something basic and essential to continue our path: in the quest to purify thought, the peak is flourishing from inside out.
Desde el centro de la tierra, una meditación profunda proyecta movimientos sobre el mar. La corriente oceánica es, de alguna manera, la traducción de la fuerza del centro de nuestro planeta. Los poderosos movimientos hacen temblar la arena, y el agua corre, movilizando todo lo que lleva dentro. Con esa fuerza vital, ocurren desplazamientos silenciosos, pequeños y enormes a la vez, que van llevando ofrendas naturales hacia la costa. Desprendimientos corales, caracoles y otros elementos lavados por la sal se reparten por la orilla, llevando toques de brillo y color a la costa.
Como ojos que leen la historia, el mar refleja sueños, pinturas, imágenes abstractas y coloridas que van mutando conforme avanza el tiempo. Poetas, pintores, músicos, interpretan las lecturas, esas sombras dibujadas sobre el agua y la arena. La observación de los fenómenos naturales es algo que parte de un lugar esencial en la realización de muchas obras de arte. La sutil interpretación de estos movimientos, desde el centro de la tierra hasta su manifestación en colores, texturas y vibraciones, es el móvil de “Qantu”, la nueva colección de Fabrics of Colours, creada por Florencia Peña. Se trata de una reflexión sobre la importancia de lo simple que tiene su anclaje en un proceso que lleva algunas temporadas revelándose.
En 2020, durante la larga cuarentena, las lecturas básicas de la obra de arte mutaron, y los modos de interpretarlas también. Nuevas conversaciones y preguntas, entre la desesperación y el existencialismo, fueron surgiendo a medida que la producciones se transformaban y cambiaban de piel. En este proceso de introspección, bisagra para muchos artistas, es que Pablo Insurralde y Florencia Peña hacen match. Sus diálogos se volvieron más reflexivos y afilados, con preguntas sin respuestas y con nuevas exigencias frente al material.
La colección “Qantu” de Florencia Peña se pregunta sobre el cuerpo. Sobre su libertad y su movimiento, y cómo ayudarle a salirse de los moldes estéticos que lo aprisionan. Sobre su comodidad y su cuidado, y cómo las texturas ayudan a que ese cariño por lo propio se vea resaltado y atendido. Sobre lo sagrado del cuerpo, y cómo honrarlo con una trama y paleta cromática. El Qantu, flor nacional del Perú y sagrada en la cultura incaica, es preferida por los colibríes, ave que trae consigo la adaptabilidad, la sanación y felicidad. Florencia Peña captura las múltiples capacidades de la flor y las lleva a su materia prima: la seda. La paleta oceánica, retocada por el sol al momento de brillar anaranjado y rosado, se refleja sobre la seda. La adaptabilidad y la cualidad sanadora son apropiadas por la artista, que como el colibrí en la leyenda quechua, las absorbe y viste al cuerpo, libre en su trama, paleta y textura.
Florencia Peña trabaja cada una de las telas con dedicación. Cada pieza atraviesa una serie de procesos hechos a mano, se tiñen con pigmentos de distinto tipo, pasan por agua infinitas veces. Como una pintura, la artista las cuelga y las estudia, para crear texturas que revelan los fondos del océano, los corales y los universos abstractos que nos devuelve el mar cuando lo observamos reflejando el cielo. Se trata de un proceso lento, artesanal, donde cada metro de tela está pintado a mano, analizado y contemplado y cristalizado sobre la trama de hilos laboriosos de la seda. Este textil, uno de los más antiguos y sofisticados del mundo, es protector en casi todo contexto climático, compañero en el día a día, ofreciendo refugio al cuerpo.
Fabrics of Colours parte del blanco, de un lienzo vacío, para llegar a una composición de prendas coloridas, ligeras, que abrazan y se adaptan, dejan ser y enaltecen. Sus líneas dan libertad de movimiento y arropan al cuerpo, con sus capas de texturas que envuelven, traslucen y revelan su encanto a la vez que lo protegen.
Una posición similar frente a lo primordial y a la nobleza del material, y una realidad introspectiva en el relato, convocan a Insurralde en varios de sus trabajos producidos desde 2018. Por un lado, chocan muchos elementos en su trabajo: el motivo de la acumulación, la detallada descripción de basura y de los elementos cotidianos y la cerámica esmaltada, brillante y delicada, como la piel al sol. Por otro lado, el inventario de lo ordinario es acompañado por citas a hitos de la historia del arte. Una silla de bambú junto con un Botticelli; o un encuentro furtivo entre un piano de cola blanco y una goma de auto con una planta adentro. La aleación entre el material delicado, la historia del arte y elementos de la vida cotidiana es la nota distintiva de este artista. La selección de objetos de cada composición es clasificada con una mezcla de irreverencia y admiración, construyendo una naturaleza muerta miscelánea. El artista negocia con sus pensamientos, donde conviven las grandes pinturas de la historia del arte con la vida cotidiana. Su trabajo enaltece los pequeños universos del suburbano porteño al volverlos eternos en cerámica y en compañía de pequeños lujos, reproducciones de obras de arte o brillos cerámicos.
Ambos artistas tienen un tratamiento preciosista sobre el material, una dedicación absoluta a la terminación, que, en todos los casos, hace que la pieza literalmente brille. Se trata de materiales sofisticados en sus procesos, que se traducen en el perlado de la seda o el brillo propio del esmaltado de la cerámica. Su belleza es obvia, el ojo se pierde descubriendo las escenas de Insurralde, mientras que las prendas de Fabrics of Colours se presentan magnéticas. Pero lejos de lo obvio, esa belleza florece lentamente bajo la mirada del observador. Las pequeñas esculturas conjugan la vida cotidiana del artista con su propio trabajo en cerámica: obras que admira, desde un Stella o la Venus de Willendorf incorporadas a un paisaje junto a una pava, o describir con el mismo entusiasmo una reproducción del Nacimiento de la Venus de Botticelli y una pelopincho a medio llenar. Es la trastienda de su pensamiento diario lo que muestra el artista en estas series, y es esa enunciación lo que propone Florencia Peña al diseñar “Qantu”.
Vivir en la obra, envolverse en pinturas, donde el oficio de los artistas se adhiere a la vida. Al poner un Botticelli junto a una bacha de baño o vestir una pintura para ir a cenar, o hacer deporte, no hacen más que enaltecer el día a día, el registro diario. Se trata de obras de arte llevadas a lo inmediato, leídas en la clave de lo ordinario, en la belleza de lo corriente.
Las imágenes que componen los fotomontajes definitivamente confirman la química entre los procesos creativos de los artistas. La rebeldía de concebir obras de arte que mezclan los oficios, que juegan con lo cotidiano son la confluencia más fuerte en la colaboración Peña - Insurralde. Con el ímpetu de llevar una pintura a una prenda diaria, y transformar un Botticelli en perchero, se plantean estas escenas.
Una chica con unos shorts de la colección “Qantu” se lava tranquilamente los dientes sobre una bacha de cerámica con la Venus de Willendorf de compañía. La escena se ve de lo más natural, si bien todo está fuera de escala y de la realidad, a la vez nada sobra ni falta y el realismo mágico de la escena se vuelve completamente lógico. Nuestra protagonista, como salida del cuento Pulgarcita, cuelga su bata en el Botticelli, y como si su vida fuera exactamente esa todos los días, se lava los dientes, mirando un punto en el vacío, como una persona que realmente acaba de amanecer. Su historia se sigue desarrollando, con la torpeza de alguien hermosamente corriente, en la búsqueda de alguna vajilla para confeccionar el desayuno. Es esa inexperiencia por la vida lo que caracteriza a nuestro personaje, alguien que se mueve inocentemente dando pasitos como un hada vestida de seda que se hace el desayuno. En ese quehacer se encuentra con un acontecimiento, que pivota entre lo gracioso y lo trágico, y tropieza acompañando el desplome de la vajilla. Allí queda la escena, ella volátil y delicada, con su cuidadosa paleta que la acompaña en ese dulce hacer y la cerámica suspendida en medio de un accidente.
Tanto las historias esbozadas en la colaboración de ambos trabajos, como en las obras de Peña e Insurralde, se encuentran diafonías que funcionan como un emblema de su producción. Ambos trabajan con medios preciosistas cuya producción puede dar como resultado un objeto tan bello como único. Sin embargo, conciben piezas que, además de bellas y únicas, concentran reflexiones refinadas, que enaltecen lo corriente y dan cuenta del momento de transformación que están atravesando los artistas, pero el mundo también. Ya no se trata de guardar lo especial para el mejor momento, de darse el lujo cuando la ocasión lo amerita o de reproducir solamente objetos singulares. Lo común es hermoso, es especial y está al alcance de la mano. El brillo de
una gota de agua, una broma sutil, el despertar de todos los días; en definitiva, la multitud de sensaciones que recibimos por estar vivos. Estas series de trabajos, y en consecuencia sus colaboraciones, dan cuenta de las transformaciones que atravesamos como humanidad, del movimiento incorpóreo que transitamos y cómo esto nos llevó a entender algo básico y esencial para continuar nuestro camino: en la búsqueda de depurar el pensamiento, el apogeo se encuentra floreciendo de adentro hacia afuera.
Clara Ríos, January 2023 / Enero 2023.